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渋谷慶一郎、初のピアノ・ソロ・アルバム。全14曲、64分。

渋谷慶一郎は2002年に音楽レーベルATAKを発足させて以来、一貫してテクノロジーと音楽の関係を探求してきた音楽家である。2004年に発表したファースト・アルバム『ATAK000 Keiichiro Shibuya』は「電子音楽の歴史のすべてを統べる完璧な作品」と評され、セカンド・アルバムとなった『ATAK010 filmachine phonics』は音像の縦移動を含む世界初のヘッドフォン専用・三次元立体音響CDとして大きな話題を呼んだ。

実に2年7ヶ月ぶりのフル・アルバムとなる本作が、これまでの作品と大きく異なるのは、自身が作曲、演奏したピアノ・ソロによる完全アコースティックのアルバムとなっていることであり、ここには彼が体験した大きな変化が反映されている。

ここ数年の渋谷の活動の中心はコンピュータ・テクノロジーを駆使した「新しい音楽」の探求を実際に科学者とコラボレーションすることによって追求するということにあり、実際にその活動は世界的な注目を集めてきた。そうした音楽とサイエンス・テクノロジーの掛け合わせによる「現実を超える」“複雑さ”と“豊穣さ”にダイブしてきた渋谷だからこそ取り組むことができたのが、今回のピアノ・ソロ作品だといえる。渋谷がこのアルバムで徹底的にフォーカスしたのが、シンプルな構成だが楽曲としての高い精度を維持しつつも、かつてない音響的な解像度を同時に実現するという2つの異なった層が絡み合った、まったく新しい次元のピアノ・アルバムを作るということだ。

レコーディングはコンサートホールを貸し切り、渋谷がライブなどで愛用するベーゼンドルファーに、メインとアンビエンスにたった2本ずつのマイクを精緻にセッティングし、ピアノの弦の軋みやタッチ・ノイズまでを完璧に収録するDSDレコーディングで行った。DSDは非常に高解像度な録音を可能にするSACD(スーパーオーディオCD)の規格であり、その第一人者であるオノセイゲンによって録られたピアノの音は、DSDデータのまま編集、ミックス、マスタリングされた。つまり写真でいうRAWデータのまま編集、ミックス、マスタリングが行われ最後にCDになったわけだが結果的に、CDで再生されるこのピアノの演奏は、まるでそこで弾いているかのように瑞々しくリアルに響く。

同時に、コンピュータ音楽では触れてこなかったメロディやコードを含んだ楽曲は、驚くほどシンプルで、美しく、さまざまな微細で豊かな感情を喚起させる。この大きな変化は、昨年、公私ともにパートナーであった妻のマリアを亡くすという深く大きい悲しみを、渋谷自身が経験しているからとも言える。「まるでそこで誰かが弾いているように聴こえるCDが作りたい」という欲求もそうした孤独の中で音楽が自分を救うという体験から生まれたもので、これは単なるコンセプトやテクニカルな問題とは別の次元で生まれ、実現されている。そうした様々な経験、プロセスを経て、このアルバムは1年の年月をかけてついに完成した。

その音楽の深度ははかり知れない。

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思いがけない人に、頭を撫でられたような驚きと、おだやかな解放。
our musicが誰にも優しく回り続けてくれます。

やくしまるえつこ（相対性理論、TUTU HELVETICA、ほか）

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for maria によせて。

研ぎすまされたピアノの音色が、複雑な自然現象と遜色なく、あるいはそれを上回った情報量で構築された作品である。そこに立ち上がる立体感と複雑さが、疑いもなくリアリティーを持つことに戦慄を覚える。それはまた今まさに壊れ行く心と、そこからの長い復活への道が、多重に入り組んだ形で進行する。

　一段落して外に出ると、目の前の道路がまっすぐミッテのテレビ塔まで伸びている。寒月が空にかかっている。これからクラブに偵察に行くという仲間を残して、そのテレビ塔目指して真夜中に歩いて帰った。マリアは、日本の半額以下で買ったコートのこととか、ミュージアムの前の甘い香りのこと、英会話の練習を真面目にやらなきゃならないこと、を語り、そうした平穏な会話に甲高い靴音が混じっていた。それはベルリンの凍てつく１月の夜なのに、今からすればまるで春の宵のような世界の話だ。

　DSDレコーディング、それの通常CDへの変換の編集を徹底的に追求したおかげで、このアルバムには狂気が隠されている。100万分の１秒の時間から立ち上がるピアノの音は、人の認知には処理しきれないと思う。しかし、その処理しきれなさの中にクオリアが生まれる。アルバムの先頭から順に曲を聞いて行くと、正反対の収斂の様子を表しているかのように聴こえる。生と死の影のような。その背後に横たわっている、みてはいけない、気がついてはいけない、ある種の張りつめた空間性や音の複雑さ、質感といったものがある。あたかも目の前で弾いているかのような、研ぎすまされたピアノの演奏によって、そうした経験のなかへと連れて行かれる。そのため、たまたま情動の欠片が紛れ込むと、あっという間に指数関数的に増幅されてしまう。

　ベルリン・ライブの打ち上げ後の、鰻の寝床のような細長いカフェで、キラキラ光るワインだかビールを飲みながら、なにが可笑しくてか、笑い転げていたマリア。日本語なのか英語なのかドイツ語なのか分からない言葉が飛び交い、それまで東京でも実はずっとそうだった彼女の、全体の輪郭が２重になるのは、記憶の時間が一つの方向に動いてないから。そうした時間の複数性や揺れの表現が、このアルバムの核心部であると僕は思う。たとえば、angel passed にみられるような。

　世界がビットで埋めつくされたセルラオートマトンでできているとしたら、またそうであったとしても、世界には巨大な不可逆性が存在する。いったんそこから出てしまったら決してたどり着くことのないエデンの園。いったん損なわれてしまうと、システムの外にでない限りは、再び戻ることはかなわない、という意味で、それがまさにシステムの外側を可能性として構成し、時には裕福にもしてくれる。世界はつねに意味的に開かれている、といってもいい。

　不可逆な時間というものはない。時間は何度も何度も同じところを行きつ戻りつ、多重につなぎ合わされる。立体的な音というものはない。単に球面調和関数の足し合わせに過ぎない。空間性と時間性が人の中に立ち上げるだけだ。あるいは立ち上がった場所を人とか主体とかいうべきなのか。渋谷さんとのフィルマシーンという作品もそうした主体の構成を目指したが、こうしたピアノ曲ほど、その主体を自然な形で強く位置づけ、自然のサウンドスケープとシームレスにつながって、その複雑さを螺旋状に昇降するものは、現状ではこのアルバムのような形でのみ実現可能なのかもしれない。

　アートとは新しい経験の生成である。徹底した科学的実践主義を貫きつつ、結実させたこの渋谷さんのアルバムは、渋谷さん自身の、あるいは彼を取り囲む全てのひとにとっての、文字通りの福音の書／アルバムとなっている。２年前の9月にマリアと渋谷さんと３人でサントリーホールに聴きに行った、アンドレイ・タルコフスキーの『進むべき道はない、だが進まねばならない』に寄せた、ルイジ・ノーノの次の一節を渋谷さんに贈りたい。
　　
　　人間の技術の変化の中で

　　新たにこれまでと異なる感情

　　異なる技術、異なる言語を作り出すこと。

　　それにより人生の別の可能性

　　別のユートピアを得ること。

池上高志

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「ATAK015 for maria」、気に入ってずっと聴いてます。
すごい作品、作っちゃいましたね。

「響き」の部分で起きていることと、「タッチ」の部分で起きていることとが、すごく緻密に、ある意味明快にデザインされていて、こんなにピアノという楽器の「かたち」が鮮明に浮かんでくる音楽は、ちょっと聴いたことがないです。
奥に向かっていくパースペクティヴをむやみに広げようとしないことで、前で起きていることが見失われないのかなと思ったりしましたが。

僕が嫌いなタイプのスノッブな「音響派」は、結局、「タッチ」の部分が「響き」の部分を操作するインターフェイスとしてしか捉えられてなくて、だから時間をくぐり抜けてそれをじっと聴いているのが退屈なのですが、渋谷さんの今度のアルバムは、響きの部分が独立して演奏されているかのように、タッチの部分と有機的に関連していながら、時系列の因果関係（タッチ→響き）を感じさせない。
そこのところがどうなっているのか、僕には分からないけれど、時々、鍵盤が押さえられる一瞬前からもう何かが響き始めているような感じがします。
だからこそ、メロディが立つというか。不思議ですね。直前に鳴っている音との相関性のマジックなんだと思うけど。

あと、やっぱり、人間の認知が無理なく着地できるメロディーやリズムのレイヤーが、リニアな時間の流れの中でスムーズに持続できるようにデザインされているところに技を感じました。そこを雑だと現在提示するのは難しいというか、本当にみんな聴かないから。

何て言うのか、マリアさんの存在があって出来上がったアルバムだとは思うけど、音楽がそこに寄っかかっていないところも尊敬しました。
宮本武蔵の「神仏を尊び、神仏を頼まず」（笑）じゃないけど、彼女をリスペクトしつつ、音楽が彼女に依存していないところに素晴らしさを感じます。
当たり前じゃんという話かもしれませんけど。

とにかく、傑作をものにしましたね。

平野啓一郎

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Keiichiro Shibuya, first piano solo

Keiichiro Shibuya’s first piano solo album. 14 tunes, 64 minutes.

Since Keiichiro Shibuya established the music label ‘ATAK’ in 2002, he has been a musician who has consistently very critically explored the relation between technology/science and music.

His first album ‘ATAK000 Keiichiro Shibuya,’ released in 2004, had a drastically and precisely composed fertile sound and was admired as “a perfect work that rules over the history of electronic music.” His second album ‘ATAK010 filmachine’ was a world first 3-dimensional sound CD for headphones and was much talked about.

‘ATAK015 for maria Keiichiro Shibuya,’ his first full album in 2 years since ‘ATAK010 filmachine,’ is entirely different from his previous works, because it is a completely acoustic album of his own compositions and piano solo performances. This change reflects a big change in his own experience.

For several years, Shibuya actively developed sound art and digital music by applying non-linear science, co-researched with Takashi Ikegami (Complex Systems researcher/professor at the University of Tokyo). They have profoundly explored “complexity” in music, making full use of computer technology and its diversity.

As a fruit of their work, ‘filmachine,’ a sound installation composition exhibited in Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM) and transmediale in Berlin, was awarded honorary mention in the digital category at Ars Electronica in 2007. At the same time, he gave a lot of concerts in Europe and has consistently attracted world attention in the field.

It can be said that it is because he has dived into such ‘complexity’ and ‘fertility’ produced by the hybrid of music and science that Shibuya completed this piano solo work. In this album, making the most of piano as a medium and its qualities, he has explored new possibilities and succeeded in realizing a similar ‘transcendence over reality’ that he has aimed for in his digital music.

So far, Shibuya has conducted experiments and studies in ‘computer’ music about how ‘complexity,’ which cannot be achieved intentionally or conceptually, appears when interventions of humans or nature make parameters increase. However, Shibuya says that the reason why he chose ‘piano’ and ‘piano solo’, a medium in which he composes and performs by himself, is that he discovered new possibilities of piano by mastering computer music.

“When I gave a piano concert last year, I noticed that subtle differences in pedaling or nuances in touching the keys can make many various tones, even in the same chords of C, E and G. I’ve played the piano for about 30 years, but I thought it was now possible to approach the piano rather in a very interesting relationship of influences as a completely different instrument rather than merely mixing piano and computer sounds.’ (honeyee,com “Next Stage of ATAK” 4.22)

Therefore, Shibuya drastically focused on realizing both high precision in composition despite simplicity of structure and that of sound.

As a result, a perfect and epoch-making piano album was completed. Although such an album as this has not been heard by listeners of digital music or a great variety of music, it is universally enjoyable.

Through a series of processes of recording, mixing and mastering, Shibuya thoroughly devoted himself to making a piano solo album with a sound resolution like never before. He felt separating these processes as is common in present CD production was a problem, and therefore chose his good friend Seigen Ono (of Saidera Matering) rather than as the album’s engineer, as a collaborator and fully involved partner.

For recording, Shibuya used a concert hall with a Bösendorfer’s ‘imperial’ piano and DSD (direct streaming digital) recording environment, delicately setting only two microphones for main and ambience to catch creaks of piano strings or the sound of touch. DSD recording environment makes recording in extremely high resolution on the SACD’s (super audio CD) standard possible, and the recorded piano sounds were edited, mixed and mastered by DSD environment, SONOMA. Consequently, when played in CD device, the piano sounds as fresh as if Shibuya is playing the piano right there.

The musical pieces containing melody and chord, which he never used in computer music, are marvelously simple and beautiful, and wake minute and rich emotions. About the concept of ‘Saudade’ in Brazilian music, Shibuya says, “The marginal feelings that I can’t live without this emotion or I’ll rot away without this romanticism, blend with rhythm, chord and melody, and bear a ripe fruit. I can understand such feelings now.” It can be also said that this big change comes from Shibuya’s own experience while grieving over the loss of his both official and private close partner Maria last year.

The desire to make a CD that “sounds as if somebody is playing the piano nearby” also derives from not a mere concept or technical problem but his experience that music relieves him in his loneliness. This album’s title ‘for maria’ simultaneously indicates its dedication to Shibuya’s late wife Maria and alludes to Arvo Pärt’s album’s “für alina,” which he repeatedly listened to in his loss. However, Shibuya did not know the existence of “für alina” when he finished composing and chose the title for the album’s first tune ‘for maria.’

In taking further steps to create new music, “für alina” became the spiritual lead for him. He says that there are a lot of such contingencies. ‘for maria’ was composed on September 11, precisely one year before this album’s sale. This date is maria’s birthday. But later, he found that it was also Pärt’s birthday. Through such various contingencies, miracles and experiences. This album was completed in one year. Shibuya himself says, “I know no other piano CD with such a good sound. It contains all the sounds that I want to listen to now.” The profundity of the music is immeasurable.

Keiichiro Shibuya

Shibuya graduated with a degree in composition from Tokyo National University of Fine Arts and Music. A musician who has been active all over the world making full use of science technology and developed cutting-edge in the field of digital music, in 2002, he established ATAK, which functions not only as a music label but also embraces creators in various fields such as design, network technology, visual technology and so on, as well as being a kind of "platform" to develop dynamic new work. In 2004, he released his first solo album ATAK000 keiichiro shibuya. His dense composition, in which he drastically focuses on sound material (color) and rhythm, was described as "a perfect work that rules over the history of electronic music." In 2005, Shibuya and Takashi Ikegami (complex system researcher/professor at Tokyo University) started developing The Third Term Music based on nonlinear sciences. As a fruit of their work, they exhibited ‘filmachine’, a sound installation composition, in 2006 and its CD version ‘ATAK010 filmachine,’ a world first 3-dimensional sound CD for headphones, in 2007. Because of these works, they were awarded honorary mention in the digital division at Ars Electronica in 2007. In 2008, the installation was shown at the transmediale, the biggest annual festival of art and digital culture in Berlin, and he gave a concert there. He also worked for a pedestrian crossing signal music project as an electro-acoustic specialist as well as working as a musician for International Association of Traffic and Safety Sciences. In 2009, he organized and took part in an ATAK NIGHT4 tour throughout Europe, Asia and Japan. He worked as an associate professor at the University of Tokyo in 2006 and Tokyo University of the Arts in 2007.